Triangle of Sadness : una película madura y brillante que se pierde en la autorreferencia

La brillante película de Robert Ostlund se basa en varios repertorios pasados ​​para crear una ingeniosa sátira social, pero ¿era necesario que durara más de cincuenta minutos?

Triangle of Sadness es la película del director sueco Ruben Östlund : se presentó en Cannes 2022, donde ganó la Palma de Oro. Tras su debut en los cines daneses el 13 de septiembre de 2022, llega a los cines italianos a partir del 27 de octubre de 2022 tras el paso al 17º Rome Film Fest. Se trata de una película compleja, controvertida, sin aparentes opiniones concordantes: lo único cierto es que se trata de la primera y única actuación en una gran película de la actriz Charlbi Dean, fallecida repentinamente el 30 de agosto de 2022 a la edad de tan solo 32 . Su actuación ya no es separable de su triste destino, dándole un aura de sacralidad intocable que envuelve toda la película.

La creatividad del director se transmite fácilmente en términos concretos haciendo uso de la experiencia adquirida gracias a sus primeras películas, salpicadas con una inteligencia intuitiva, brillante e inmadura como demuestra Turist (2014). Triangle of Sadness es una película que aspira, de hecho, a entrar en la fase madura de la producción artística, es la afirmación del cineasta: “Soy genial”. Y el largometraje es realmente genial , al menos hasta sus primeros cincuenta minutos .

La película inicia con la relación amorosa de Yaya, una guapa influencer interpretada por Charlbi Dean, y Karl , un modelo de brillante carrera y cara de «Kent» interpretado por Harris Dickinson , quienes se encuentran en un momento muy delicado en el que llegan la mayoría de las parejas jóvenes. Un momento en el que siempre ha habido decisiones importantes para el futuro, en el que es necesario hablar de dinero y entender qué se puede hacer para buscar la estabilidad lo que complica este objetivo es que ambos están inmersos en el mundo de la moda, que gira estrictamente en torno al dinero y la élite inefable y esquiva de humanidad.

El crucero en el que navega la pareja de modelos es solo una metáfora para poner en escena la mayor cantidad de humanidad posible: una tipología humana que, para la burguesía media y pequeña, no posee absolutamente nada. Los invitados del barco (ricos de diversa índole) no son precisamente monstruos fellinianos o demonios buñuelianos surrealistas, son criaturas que se pueden encontrar en la cotidianidad de la sobreexposición mediática y en los poderes que se mueven detrás de ella. Una tormenta obliga a los pomposos invitados del crucero a sentirse mal, a renunciar a su realidad instagrameable para verter sus contenidos corporales reales sobre el espectador (y la tripulación a bordo)(una metáfora flagrante, pero exitosa a pesar de la referencia obvia): caca, vómito, pis.

La charla social sobre la igualdad de género y sobre las opciones verdes de los lobbies que consumen dinero se reduce, a un vertido de humanidad en su vulgar realidad. Los contenidos están expuestos y son todos iguales: una filosofía que encuentra su personificación en el comandante alcohólico y marxista interpretado por Woody Harrelson. La película, en sus primeros cincuenta minutos, es la síntesis de un siglo y juega con el estilo de películas como El discreto encanto de la burguesía de Buñuel o Teorema de Pier Paolo Pasollini . ¿Qué sucede después? La película se desenrolla, pierde el hilo, autocitas disfrutando de la autorreferencialidad.

Mientras Triángulo de tristeza se dirige hacia su parte central y el inevitable final, el citacionismo del gran cine de los años 70 y la metáfora del gran siglo XX como barco a la deriva implican una autocita sin finalidad comunicativa. Símiles, alusiones, referencias y comedia empiezan a agruparse cada vez más en torno al cerrado mundo de la lucha de clases que pone en escena el director. El guión -editado por el propio cineasta- no ayuda a que la historia respire, cerrándola en espirales de diálogos repetitivos y autocontenidos .

La película, si en sus primeros 50 minutos ejemplifica a toda la oligarquía humana en sus declinaciones de desdichada existencia (una miseria de la que no se salvan ni los pobres, a pesar del muy simbólico motín de la tripulación, encabezada por un personaje inesperado), se deshilacha en una parodia de sí mismo durante la hora y media restante. ¿Ostlund quería exagerar? ¿Perdió el control de su película como capitán de su barco a merced de la tormenta? ¿La deriva es intencional? El trabajo no logra ofrecer una respuesta afirmativa a cada una de estas preguntas. La atención inevitablemente se desvanece: sin embargo, las actuaciones brillantes e impredecibles de Charlbi Dean y Woody Harrelson siguen siendo brillantes hasta el último minuto. Y si nunca se habían planteado dudas sobre Harrelson, Dean en su única actuación épica graba en piedra el mérito de ser llorada como una verdadera diva del cine de autor .